O filme de Isabelle Mergault (que inexplicavelmente só chega ao Brasil agora) é uma comédia romântica misturada com comédia de erros e toques de humor negro. Há pontos realmente divertidos, como o funeral em que Anne-Marie, vendo sua empregada tentando sem sucesso auxiliar seu sogro a fazer xixi na moita, não pode deixar de cair no riso, mas todos pensam que ela está chorando inconsolável. Laroque está muito bem no papel principal e Gamblin é igualmente convincente, aliás os atores são realmente bons, ficando com Tom Morton (que interpreta Christophe, o filho estudante de medicina de Anne-Marie) o prêmio de pior atuação. Não que seja realmente ruim, mas se comparada aos outros é um tanto forçada para que seu personagem parece um chato… E é realmente um personagem que dá nos nervos.

O final foge do hollywoodismo clássico, mas não muito e, de uma maneira geral, Enfim Viúva agrada, mas agrada mais às mulheres com absoluta certeza. Essa história de mulheres de meia idade que ainda se sentem no início da vida, conseguem se libertar de um casamento sufocante (ou pelo menos de uma vida sufocante) para dar a volta por cima parece ter um grande apelo junto ao público feminino, o que é absolutamente compreensível. Há, contudo, um ponto no filme que não me agrada: Anne-Marie se esforça tanto para guardar de sua família o segredo de que tem um amante e pretende ir para a China, que se torna exaustivo. Sinceramente me irrita muito os roteiros em que um personagem tem como conflito principal esconder algo que claramente é mais fácil revelar. Anne-Marie não se permite revelar toda a verdade à sua família não para não magoá-los como repete diversas vezes para si mesma, mas para não entrar em conflito. Mas se você não se importa tanto com esse tipo de coisa, é uma boa pedida para uma tarde chuvosa de sábado, principalmente se você tem com quem assistir.

Enfim Viúva (Enfin Veuve) – Direção: Isabelle Mergault, com: Michèle Laroque, Jacques Gamblin, Wladimir Yordanoff e Tom Morton.

Estréia dia 03 de setembro

Compartilhe

[REC] Possuídos também mostra um passo diferente no gênero dos documentários falsos, começados com Bruxa de Blair e trazidos de volta com Cloverfield. Jaume Balagueró e Paco Plaza, usam uma faceta menos próxima do cinema independente e mais voltada aos efeitos especiais do comercial, usando muito mais que apenas maquiagem para as cenas, a linguagem cinematográfica é mais evidente do que a de documentário, como no primeiro filme, vemos isso no uso mais evidente de trilha sonora, de computação gráfica, de uma edição menos linear e do uso de mais de uma camera, e transições entre elas. Tudo isso, no entanto, condiz com o filme, e não fica estranho de forma alguma.

A história de [REC] Possuídos é mostrada essencialmente em três partes, na primeira acompanhamos um grupo de agentes especiais da polícia espanhola, ao lado de um – até então – membro do ministério da Saúde, com um sotaque nada espanhol, enviados para conter e descobrir o porque da quarentena no prédio. Na segunda parte, vemos 3 adolescentes incoerentes que resolvem entrar no mesmo prédio para filmar o que quer que esteja acontecendo e tentar ganhar dinheiro em cima disso, vendendo o material para a televisão. Na terceira parte os dois grupos se encontram, e bem, as coisas não vão bem pra ninguém e isso já é o esperado, ou seja, nada de zumbis na grande mídia ainda, por enquanto tudo muito escondido das vistas de todos, e o maior motivo para isso, descobrimos com o cara do sotaque estranho.

Foi bom ver um roteiro que saísse do lugar comum da genética distorcida, e resolvesse tomar um caminho mais místico – mas nada a ver com A Maldição dos Mortos-Vivos (The Serpent and the Rainbow, EUA, 1988). Mais do que isso, definitivamente, estragaria a surpresa do filme na explicação sobre os zumbis.Fiquei muito empolgado para ver o terceiro, mas essa empolgação foi embora quando li que será uma prequel a tudo isso..

No mais, o trabalho de direção e a atuação dos atores é ótima, muito bom ver o empenho em um filme de terror que não seja americano ou asiático. [REC] Possuídos, realmente é um melhor sucessor por todas as coisas novas que apresenta e pela qualidade com que são feitas – e conte com isso que [REC] é um ótimo filme também.

Você vai dar alguns pulos na poltrona do cinema.

[REC] Possuídos (REC²) – Dirigido por  Jaume Balagueró e Paco Plaza. Com Jonathan Mellor, Óscar Zafra, Pablo Rosso e Manuela Velasco.

Estreou dia 03 de Setembro de 2010

Compartilhe

Comparação: cartaz italiano original e a versão de Peter Saville

A grande discussão foi que para muitos, aquilo que Saville fazia, em alguns casos, era relativamente fácil. “Ora, é só procurar no Google e você encontra umas referências boas”. Temos que lembrar que naquela época não existia a internet como conhecemos (sem entrar numa discussão de tecnologias da Guerra Fria, etc), e o Saville era sim muito bom em pesquisar bem suas referências para os trabalhos finais. Se chegava ao ponto da cópia ou não, já fica para outros méritos que não convém nesta discussão.

Pulamos para 2010. Inicia-se a divulgação da nova campanha da Brastemp, Inspiração muda tudo. E a vida fica assim… uma Brastemp, encabeçada pela importante agência de publicidade DM9DDB. De belo apuro técnico, gravada – aparentemente – com câmeras Canon 5D, a propaganda mostra uma espécie de “happening” – ou flash-mob, como preferir - no centro de São Paulo, onde os pedestres apontam espelhos para o céu, assim “trocando-o” de lugar com o chão, fazendo uma alusão aos novos modelos de refrigeradores com freezer invertido.

Apenas a música que foi, digamos, pouco inspirada.

A trilha-sonora da campanha, que aos poucos cria um burburinho na rede com quase 365 plays no soundcloud, é extremamente similar a música Modern Drift da banda dinamarquesa Efterklang.

Comparem:

Trilha-sonora | Inspiração muda tudo

Efterklang | Modern Drift

Entramos em contato com o grupo e o baixista Rasmus Stolberg mostrou-se impressionado com a similaridade da faixa, redigindo um rápido comparativo das faixas:

Intro: 00:00 até 00:25 | similaridades no piano das duas músicas
Verso: 00:26 até 00:43 | igual a Modern Drift em 01:08 até 01:27 | bateria é igual
00.43 to 01:04 | comparar com a Modern Drift 00:48 até 01:08
Sem esquecer também | as viradas da bateria são similares, além do tempo da música 100BPM.

Compartilhe

A estrutura montada pela Samsung, organizadora do evento, merece elogios. Um palco principal bem grande e com três telões generosos atraía a atenção de quem passasse pelo lugar. Pessoas se amontoavam até nas escadas para acompanhar as partidas. Coisa fina.

Vencedores do CS1.6 posando com seus gordos cheques. Foto: Terra

O evento foi dividido em seis categorias principais e duas promocionais. Vamos à elas:

As disputas de Guitar Hero 5 foram, sem dúvidas, as mais acirradas. Na última partida do melhor de três, em que nenhum dos dois jogadores errou sequer uma nota, a vitória foi decidida por menos de dois mil pontos, o que em termos de Guitar Hero é mínimo. Fábio Jardim, atual campeão mundial, derrotou Lucas Gomes e garantiu o primeiro lugar na competição, pela segunda vez consecutiva. Com mais uma vaga em jogo, Lucas garantiu a passagem para Los Angeles na repescagem.

No Counter-Strike 1.6, categoria mais tradicional do evento, a vitória ficou com o time Firegamers, que resurgiu da repescagem para garantir a vaga, derrotando o time CNB Gamming por duas vezes.

As partidas de Fifa 10 estavam bem animadas. Tinha até narração, feita pelo radialista Domenico Gatto. Na final, Samuel Liberato venceu André Buffo, parceiros no time MiBR, por 4×1 nos pênaltis, na primeira partida, e 5×1, na segunda.

Outro integrante do MiBR também conseguiu vaga para a final mundial, mas no jogo Forza Motosport 3, que pelo primeiro ano foi modalidade oficial no evento. Quem levou a melhor foi Paulliran Santos, veterano que em 2008 foi campeão de Need For Speed.

No simulador de sinuca Carom 3D, a vitória foi do carioca Fabio da Fonseca, e em Asphalt 5, um jogo de celular, veja só, quem levou foi o paulista Bruno Alves, que se inscreveu para a competição na última hora e sem nenhuma pretensão de se sagrar campeão.

As duas modalidades promocionais do evento foram Super Street Fighter 4 e F1 Armaroli, vencidas por Adson Okubo e Gabriel Bechtold, respectivamente. Estas categorias não valiam vagas na final em Los Angeles.

Paralelo à etapa nacional, aconteceu também o WCG Pan-Americano 2010, com jogadores de todo o continente disputando em quatro categorias. Os jogadores brasileiros mostraram que estão no topo do ranking desse pedaço do planeta levando em três categorias.

No Guitar Hero 5, Fábio Jardim se firmou como promessa para a final mundial, vencendo mais uma vez e acumulando os três principais títulos que um jogador pode conseguir na competição. O time Firegamers, de CS 1.6, também venceu duas vezes no mesmo dia de sorte. Já no Fifa 10, Wagner Turra venceu o venezuelano Robinel Lovena.

A grande diferença do Pan-Americano para o nacional é a adição de StarCraft, ainda o primeiro da série. Aqui, a melhor colocação do Brasil foi um terceiro lugar, com o jogador Paulo Cardoso. A vitória ficou com o chileno Felipe Zuniga.

No geral, o WCG Brasil 2010 foi muito bom. Não compareci à edição do ano passado, então não tenho muitas referências de comparação, mas gostei mesmo do que vi. Claro, houve alguns poucos momentos constrangedores, como quando algumas partidas de GH5 eram interrompidas por um “pause” inesperado, que forçava o reinício. Mas nada que não pudesse ser contornado.

Depois de tudo isso, só dá para concluir uma coisa: o Brasil é uma das maiores potências no esporte eletrônico. Novos jogadores de nível altíssimo aparecem a cada ano. Quem sabe, daqui uns anos, a gente não começa a escutar histórias de garotos(as) que trocaram uma bola por um joystick ou apareça na TV algum “E-Sport Espetacular”. Tá certo, estou viajando demais.

Compartilhe

Ainda não assisti ao filme Encontro Explosivo, por isso não posso fazer uma comparação mais profunda, mas não deixo de comparar algumas coisas com as que eu vi no trailer.

Encontro Explosivo é um filme em que o espião está conhecendo a mulher, e acaba levando ela na ação. Com Par Perfeito, isso é mais clichê: O espião larga o emprego por causa da mulher e, depois de um tempo vivendo uma vida calma, é chamado devolta a ativa. Ele não aceita e começam as explosões. Eu acho que existem muitos desses filmes por aí.

O filme em si não é tão ruim. Dá pra passar aquela tarde de domingo que você não tem nada pra fazer. Mas, não se engane: é uma comédia romântica. O trailer mostra perseguições e tiros… mas no filme pouco disso acontece. A maioria do tempo você vai ver piadas com a vida de casado depois da mulher descobrir a vida secreta do marido. Tirando, é claro, os “problemas normais” pelos quais o casal passa.

Tudo parece já previsto que aconteceria no filme, tirando algumas cenas que são boas. As panorâmicas do hotel que estão no início do filme e uma cena em que os dois apreciam um pôr-do-sol. É claro que não tinha como errar nessas cenas.

Porém, houve uma coisa que me impressionou: Katherine Heigl mostrando uma performance um pouco diferente do seu normal.

Não que seja uma performance boa, mas está diferente. Na maioria de seus filmes, ela representa uma mulher confiante e lutando contra seu lado fraco. Nesse filme, seu lado fraco é o mais mostrado. Ela faz bem o papel de donzela em perigo e em poucos momentos demonstra controle da ocasião (ou demonstra a tentativa de controle). Sua personagem é bem dependente dos homens da história (tanto seu marido quanto seu pai). Isso até da um tom machista para o filme, mas nada que incomode demais as mulheres.

Enfim, Par Perfeito é um filme divertido de assistir, apesar de suas imperfeições. Suas piadas são bobas, mas engraçadinhas. Aparenta mesmo ser um filme de mulher pela quantidade de vezes que aparece Ashton Kutcher sem camisa. Mas, se você tem algo mais importante pra fazer ou um filme melhor pra ver, escolha a outra alternativa. Esse é um filme, na minha opinião que deve ser assistido na TV.

Par Perfeito (Killers) – Direção Robert Luketic, Com: Ashton Kutcher, Katherine Heigl, Tom Selleck, Catherine O’Hara

Estreou dia 27/08/2010

Compartilhe

O "happening" durante a apresentação do Le Jeans

Pra quem não sabe, o Pecha Kucha Night nasceu para contornar aquelas palestras chatas e monótomas que todos nós encaramos uma vez na vida. O método de apresentação inventado envolve que cada palestrante tem o direito a apresentar 20 imagens com 20 segundos para cada imagen, totalizando 400 segundos de apresentação.

E sim, as coisas foram bem rápidas naquela noite!

O mais legal de ir em um Pecha Kucha Night é poder assistir quase dez palestrantes em menos de uma hora e meia, sendo que nesse tempo você poderá ouvir uma mistura tão grande apresentações que não terá como você sair de lá sem se sentir inspirado. Por que? Olha, a noite começou com uma palestra de um empreendedor e pulou para designers, ilustradores, grafiteiros, estilistas, etc. Em qual outro lugar você encontraria tanta coisa assim de uma vez só?

A noite abriu com a apresentação do Gian Carlo da Batuq, que no desafio dos “400 segundos” tentou ao máximo abordar uma linha narrativa da inspiração/criatividade, saindo dos budistas e passando até pelo Gerard Butler! Depois veio o pessoal do Estúdio Diálogo, mostrando uma grande parte de seus trabalhos experimentais, alguns pelo Sesc São Paulo e outros pelo Projeto Ser y Grafia.

Gian da Batuq em sua apresentação

O Marco Santoro do Senac São Paulo abordou o design thinking em sua apresentação, citando o quanto o TEDx foi importante na sua formação ou como em suas palavras: “Nos vídeos do TEDx tem mais conteúdo que numa Pós-Graduação”. Daniel Semanas subiu ao palco para fazer uma das palestras mais engraçadas da noite. Nela, ele foi desde a importância de se desenhar na infância, aos seus heróis dos filmes da Sessão da Tarde, para finalmente mostrar as influências de desenhos como Doug, Cavaleiros do Zodiáco e em programas como Power Rangers.

O Thiago Barbosa do Cultura 360 falou sobre a proposta de sua produtora, além de novas perspectivas para encararmos o mercado fonográfico no Brasil. Logo após, veio o pessoal do Le Jeans, que transformou o palco em um cenário para um ensaio fotográfico improvisado. A coisa cresceu ao ponto de modelos se trocarem ali mesmo e posarem para fotos por entre a plateia.

Para encerrar, tivemos mais duas aguardadas apresentações da noite. Primeiro subiu o artista/grafiteiro Mundano, que dividiu suas experiências e visões sobre a arte de rua. Seu trabalho tornou-se tão grande e abrangente que cada vez mais é difícil ignorar a presença de suas enormes figuras espalhadas pela cidade. Por último, Daniel Motta veio apresentar o seu projeto Me Dê Um Conselho. Ele posiciona uma urna pedindo conselhos por ruas movimentadas de São Paulo e depois que coleta estes papeis, os publica no flickr do projeto. Com bom humor, esta apresentação encerrou a noite de apresentações, que para alguns passou mais rápido que o 20×20 proposto pelo projeto.

Fica o convite para todo mundo que não foi neste Vol.5 que se programe para a próxima edição!

Que venha o Vol.6! (Provavelmente no final de Novembro)

Compartilhe

Bem, tirando esse tremendo deslize, eu me surpreendi bastante com o filme, esperava algo que fosse uma sombra distorcida de um clássico moderno e que falhasse miseravelmente em qualquer tentativa de satisfazer os fãs, mas não foi isso que aconteceu. Em linhas gerais, Karatê Kid (como eu reluto em dizer esse nome!) é um bom filme.

O roteiro é piegas, é verdade, mas assim como o original, ele é só uma desculpa para mostrar um jovem aprendendo a disciplina das artes marciais com um velho mestre em contraposição a uma escola boçal que simplesmente ensina a vulgaridade das lutas. Na nova versão há a aparente preferência dos americanos ao kung-fu, o que caiu como uma luva para uma versão mais atual em termos de política econômica global, já que a China é um mercado em ascensão e a mãe de Dre Parker (“o” Karatê Kid, interpretado por Jaden Smith) o leva para morar na China por ter sido transferida em seu trabalho numa fábrica de carros. Pois é, a globalização chegou à Sessão da Tarde.

Dre de cara se apaixona por Mei Ying (Wenwen Han), arrumando confusão com Cheng (Zhenwei Wang) um encrenqueiro e exímio lutador de kung-fu. Após previsíveis acontecimentos Mr. Han (Jackie Chan), o zelador do prédio de Dre, concorda em treiná-lo para o torneio. E é aí que o filme realmente começa a ficar interessante. Há claras citações e versões dos treinamentos do Sr. Miyagi no filme de 1984, mas de uma forma que faz sentido dentro do kung-fu, que afinal é uma técnica muito diferente do karatê. Por entender e mostrar isso, o filme ganha muitos pontos e chega a sair da sombra daquele que o inspirou, com destaque para a sequência em que Mr. Han leva Dre para subir a montanha e tomar água na fonte do dragão, onde Dre observa uma mulher hipnotizando uma cobra em um precipício, o que substitui, no filme, de forma satisfatória, o famoso golpe da garça.

Tecnicamente o filme é excelente, fotografia bonita e uma edição competente, só me aborrecendo durante o torneio em que um telão exibe cenas das lutas que acabaram de acontecer de uma forma que pareciam ter sido dirigidas por John Woo, mas não sejamos mesquinhos, o filme sobrevive apesar disso.

Em relação as atuações, o elenco de apoio é muito bom e os protagonistas Jackie Chan e Jaden Smith tem momentos contrastantes: Jackie Chan – aparentemente pela primeira vez em sua carreira – tem uma ótima interpretação, seu papel realmente passa certa profundidade e convence sem precisar apelar para o costumeiro balé que Chan se tornou especialista. Já Jaden Smith tem até bons momentos, mas ele parece ter seu pai (Will Smith) como modelo de ator (o que convenhamos é até natural) e parece querer ser o Fresh Prince of Bel-Air a cada instante, com aquela cara de malandro que simplesmente não cola em uma criança de doze anos e só faz é irritar.

Além de tudo, há dezenas de boas gags, explorando as diferenças culturais entre americanos e chineses, explorando a relação entre mestre e pupilo (como quando Dre pergunta por que havia um carro na sala e Mr. Han responde naturalmente que é porque não havia vaga na rua) e, finalmente, há boas piadas para aqueles que assistiram os filmes anteriores (o Sr. Miyagi pegando uma mosca com o hashi é parodiado por Mr. Han com um mata-moscas).

No final, a maior decepção é mesmo a sensação de que o título do filme foi colocado assim apenas para ganhar dinheiro em cima da nostalgia do público. Aliás, em uma década sem personalidade como a atual, explorar a nostalgia das pessoas parece mesmo o caminho do pote de ouro, Agente 86, Esquadrão Classe A, Alvin e os Esquilos (outro título medonho), Smurfs e Um Tira da Pesada 4 (prometido para os próximos anos) estão aí para provar isso. Pelo menos o cartaz de Karatê Kid é bonito.

“Karatê Kid” (The Karate Kid) – Direção: Harald Zwart, Com: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson, Wenwen Han e Zhenwei Wang

Entra em cartaz dia 27 de agosto.

Compartilhe

Estou falando de Drácula, de Bram Stoker. O pai de todos os vampiros. O nosferatu original. Personagem explorado, perseguido e exaustivamente revisto ao longo dos anos.

E se ele não tivesse morrido?

Em tempos de vampiros teens que brilham e são meigos, ou de vampiros modernos com sotaque da Louisiana, uma obra vem em socorro dos clássicos vampirescos. É “Drácula: o morto-vivo”, no Brasil pela Ediouro – anteriormente editado pela Ed.Planeta.

Mais do que somente mais uma obra tentando desvendar histórias sobre o conde empalador, o livro traz uma novidade para o fãs do original : é uma continuação!

Quem ousaria escrever uma continuação do clássico de Bram Stoker?

Stoker - a esquerda - ao lado de Holt.

Pois só mesmo o neto do cara teria peito para tanto. Dacre Stoker, sobrinho-bisneto do Stoker original, e mais Ian Holt, pesquisador e roteirista resolveram voltar à história original, pesquisando a fundo os documentos de Bram e a vida do personagem histórico que inspirou o vampiro.

A história se passa 25 anos depois que o grupo de amigos, entre eles Van Helsing, Mina e Jonathan Harker, devolvem o conde ao inferno. Como estaria a vida deles, depois disso? Depois de tudo que passaram?

E como ter certeza de que o vampiro realmente se foi?

As dúvidas começam a aumentar, à medida que eventos terríveis e sangrentos indicam que o terror pode estar de volta a Londres.

A história é rápida, objetiva e prende o leitor de ficção. É curioso observar como a relação com Drácula marcou o casamento do casal principal, e a vida de todos os envolvidos sobreviventes.

Além disso, a introdução do próprio Bram Stoker como personagem na história é um detalhe instigante, e que coloca a história no plano do real.

E se não tivesse sido tudo uma história?

E se ele tivesse mesmo existido?

E se estivesse de volta?

Compartilhe

A capa é uma escultura do artista Mark Fox

Foi preciso um período de absorção e reflexão para finalmente sair uma texto sobre o novo álbum do The National, o aguardado High Violet.

Para quem foi no falecido Tim Festival de 2008, teve a sorte de presenciar a intensa apresentação da banda americana, que ali demonstrava provavelmente o ápice de sua maturidade musical com as músicas do álbum Boxer. Na época, alguns apontaram que apresentação foi mais “pesada” do que o devido, que para outros, não passou de pura baboseira de fãs do Interpol Joy Division perdidos na platéia.

High Violet não é exatamente uma continuação de Boxer, mas leva na mala as lições aprendidas nas árduas horas de estúdio que cunharam o som redondo de faixas como Apartment Story. Há neste novo trabalho uma grande sensação de que as faixas foram compostas, gravadas, regravadas e mixadas a exaustão. E provavelmente não foi em vão, vide que eles conseguiram entrar em terceiro lugar na tabela da Billboard deste ano.

Matt Berninger retorna com os seus graves que parecem prontos para destruir as caixas de som de seu computador. Na cozinha, junta-se a bateria mecânica de Bryan Devendorf, que já tinha mostrado seu grande leque de possibilidades nos outros álbuns do grupo (ou bem mais em faixas como o Mistaken for Strangers e Squalor Victoria).

A tríade que abre o álbum (Terrible Love + Sorrow + Anyone’s Ghost) é a razão pela qual muitos fãs e ouvintes casuais acabaram se perdendo no meio do caminho. Ambas parecem manter um mesmo tom, ou ao menos, não demonstram variação entre si. Este não é exatamente um defeito, mas sim uma característica diferente deste álbum, que exige a tal reflexão que comentei no começo do texto. É provável que em algumas semanas você cante “It takes an ocean not to break” ou algum refrão sobre ser o fantasma de alguém sem perceber da onde vieram essas melodias na sua cabeça.

Quando o sumido Sufjan Stevens surge com seus vocais fantasmagóricos em Afraid of Everyone, o álbum toma outra guinada para o melhor. É após esse clássico instantâneo que vem talvez a melhor música deste ano, Bloodbuzz Ohio. A faixa é aquela companhia perfeita para a troca de marchas quando você finalmente entra na estrada no fim de semana. Há algo ali quando o Matt canta que “(…) devo dinheiro ao dinheiro ao dinheiro que devo” que aumenta a dramaticidade de toda a história.

The National fez uma mistureba de emoções em High Violet, e talvez por perder um pouco da unidade do Boxer, transformou este novo trabalho em algo um pouco mais complicado de digerir. Mas podem ter certeza: quem der mais de uma chance para este álbum, terá um belo de um retorno ao longo dos anos.

Compartilhe

Vi o trabalho de Hughes pela primeira vez em 1996, numa entrevista para a finada versão brasileira da revista Wizard (como faz falta!). A entrevista trazia, é claro, alguns desenhos de Hughes e eu me encantei na forma como ele desenhava as mulheres, elas eram lindas, fortes e ao mesmo tempo tinham aquele ar de divas do cinema antigo, coisa extremamente rara de se ver por aí. Desde sempre Hughes reclamou John Byrne como sua maior influência, mas mesmo Byrne (um dos grandes desenhistas da era de ouro da Marvel) não conseguiu obter o que Hughes parece conseguir com relativa facilidade.

Reconhece todas? Seu nerd...

Coisa que demorei para entender é por que os editores da DC Comics (ou mesmo Marvel e Image, onde Hughes trabalhou algumas poucas vezes) nunca deram mais trabalho ao artista, apenas capas, são raras as histórias completas que ele faz. Mas Hughes tem seu próprio tempo de trabalho, que comparado à maioria dos outros desenhistas é bem lento, dessa forma não é sempre que ele se arrisca a produzir vinte ou trinta páginas em tempo suficiente para ser lançado dentro da grade das Editoras. Sobram a ele as capas… e que capas!

A maioria dessas capas (as da DC Comics e algumas para a Image) foram lançadas no final do mês de junho em um livro chamado “Cover Run: The DC Comics Arts of Adam Hughes“. Um pouco desnecessário dizer que infelizmente só foi publicado (pelo menos por enquanto) nos Estados Unidos, mas isso não impede que nós brasileiros possamos adquiri-lo. O livro está a venda no site da Amazon (que entrega livros no Brasil, caso alguém não saiba) por US$26,39, o que com a taxa de entrega deve pular para algo em torno de trinta e poucos dólares. O meu há algumas semanas e digo sinceramente que vale cada centavo e cada dia de espera! O livro é de capa dura com uma capa especial por fora e tem mais de 200 páginas em papel de altíssima qualidade com impressão caprichada. Há comentários do artista para cada capa apresentada e dezenas de sketches e roughs. Nele podemos ver a trajetória de Hughes na editora, começando com capas da Liga da Justiça ainda nos anos 80, passando por algumas capas dos Legionários até chegar à Mulher Maravilha e Mulher-Gato (os principais destaques de sua carreira), tendo ainda alguns outros trabalhos, como Rose & Thorn, Voodoo, Gen 13, Power Girl e Super Man – O Retorno.

Dificílimo escolher um destaque do livro e impossível escolher um desenho melhor, mas creio que grande parte das atenções sejam naturalmente voltadas para as capas da Mulher-Gato, reformulada num novo (e muito melhor) uniforme e que Hughes faz com o rosto baseado na diva Audrey Hepburn. Há ainda um detalhe que deve instigar todos que desenham e todos que tem interesse no desenho: muitos trabalhos de Hughes, antes de serem coloridos no Photoshop, são “coloridos” em tons de cinza com marcadores Copic, canetinhas para os íntimos (claro que é quase um pecado relacionar os produtos da Copic com “canetinhas” convencionais).

O que mais me atrai na obra de Adam Hughes é que há tudo e mais um pouco ali: expressões faciais, expressões corporais (muito melhores e mais bem trabalhadas que todos os Kubert juntos, pode ter certeza). O artista não tem medo de brincar com as feições dos personagens, muito diferente da meia dúzia de rostos padronizados de Joe Madureira e cia, o que se deve, provavelmente à algumas outras influencias de Hughes, como os quadrinistas Steve Rude, Alex Raymond, Dave Stevens e Kevin Nowlan, os pintores JC Leyendecker, Drew Struzan, Norman Rockwell e Gil Elvgren e talvez sua influência mais explícita: Alphonse Mucha. Todos esses nomes estão listados no livro com comentários do próprio Hughes.

Qual é o segredo para a obra de Hughes? Creio que seja exatamente isso: suas influências. Em desenhistas como Jim Lee (a quem não canso de criticar) não conseguimos perceber grandes influencias que não sejam do universo dos quadrinhos, no próprio Lee, por exemplo, podemos perceber algo de Whilce Portacio, John Kubert e Marc Silvestri, todos eles com traços um tanto semelhantes. Já Hughes, como vimos, vai buscar inspiração em pôsteres de filmes, anúncios vintages e litogravuras da Art Nouveau, isso torna seu trabalho tão rico e diversificado que por vezes esquecemos que estamos olhando uma capa de uma revista da Mulher-Gato.

Conhecido como o “artista das gostosas”, Adam Hughes lança um livro obrigatório não só para quem gosta de quadrinhos, mas para todos que apreciam um bom desenho. Sei que este volume é um dos meus orgulhos da prateleira.

Compartilhe